El Intercambio

Título original: Changeling
Dirección: Clint Eastwood.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 141 min.
Género: Drama.
Interpretación: Angelina Jolie (Christine Collins), John Malkovich (reverendo Gustav Briegleb), Jeffrey Donovan (capitán J.J. Jones), Jason Butler Harner (Gordon Northcott), Amy Ryan (Carol Dexter), Colm Feore (James Davis), Michael Kelly (Lester Ybarra), Geoff Pierson (S.S. Hahn), Denis O'Hare (Dr. Jonathan Steel), Eddie Alderson (Sanford Clark), Gattlin Griffith (Walter Collins).
Guión: J. Michael Straczynski.
Producción: Clint Eastwood, Brian Grazer, Ron Howard y Rob Lorenz.
Música: Clint Eastwood.
Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox.
Dirección artística: Patrick M. Sullivan Jr.
Diseño de producción: James Murakami.
Vestuario: Deborah Hopper.

Sinopsis
Los Angeles, año 1928. Christine Collins (Angelina Jolie) es una madre que recupera a su hijo, al que habían secuestrado meses antes. Pero en la locura del muy fotografiado reencuentro, comienza a sospechar que el niño que le han entregado no es su hijo. A pesar de unas fuerzas del orden corruptas y de una opinión pública más que escéptica, intenta dilucidar el misterio cueste lo que cueste. Tachada de loca e incapacitada, por fin encuentra un aliado en el reverendo Briegleb (John Malkovich), que la ayudará en su búsqueda...


Crítica
El argumento de la película es carne de telefilm... De hecho no sería de extrañar que haya uno o varios con argumentos parecidos. Además, si no fuera porque cuenta una historia real, no transmitiría mucha credibilidad, ya que parece una historia un tanto rocambolesca. Eso sí, es increíble que cosas como las que cuenta la película hayan sucedido, sobre todo por la parte que le toca a la policía.

La razón de que esta película haya conseguido ser más que el telefilm que hubiera sido en otras manos es que su director es uno de los grandes. Clint Eastwood es uno de los mejores directores de la actualidad y se puede decir que el último cineasta clásico. En esta película se puede apreciar ese clásico aroma, además de la fuerza que Clint le impone a la película, logrando transmitirnos la desesperación y la angustia de tantas situaciones increíbles y desagradables que se dan en el film.

Angelina Jolie tras hacer de sufridora con un resultado algo decepcionante en "Un Corazón Invencible" vuelve con otro papel de ese estilo en el que sí ha conseguido una muy buena interpretación. Los secundarios hacen una labor cumplidora.

No es una de las mejores películas de Clint (es difícil llegar a ese nivel), pero sí es un muy buen film, algo que hubiera sido improbable si no hubiera estado tras las cámaras quien ha estado.


Puntuación: 7

Como en Casa en Ningún Sitio

Título original: Four Christmases.

Dirección: Seth Gordon.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 88 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Vince Vaughn (Brad), Reese Witherspoon (Kate), Robert Duvall (Howard), Jon Favreau (Denver), Mary Steenburgen (Marilyn), Dwight Yoakam (Phil), Tim McGraw (Dallas), Kristin Chenoweth (Courtney), Jon Voight (Creighton), Sissy Spacek (Paula).
Guión: Matt R. Allen, Caleb Wilson, Jon Lucas y Scott Moore; basado en un argumento de Matt R. Allen y Caleb Wilson.
Producción: Roger Birnbaum, Gary Barber y Jonathan Glickman.
Música: Alex Wurman.
Fotografía: Jeffrey L. Kimball.
Montaje: Mark Helfrich y Melissa Kent.
Dirección artística: Michael Atwell y Oana Bogdan.
Diseño de producción: Shepherd Frankel.
Vestuario: Sophie de Rakoff.

Sinopsis
Brad y Kate son una guapa y exitosa pareja de San Francisco que ven cómo sus planes iniciales de pasar el día de Navidad en un lugar exótico, alejados de su ciudad y de sus propias familias, se convierten en algo muy diferente.
Obligados y sin escapatoria, ambos se ven envueltos en una Navidad de lo más familiar. Pero no será una única celebración familiar, sino que serán cuatro en el mismo día. Cuatro celebraciones en las que saldrán a la luz los miedos de la infancia, se reabrirán las heridas de la adolescencia... y se pondrá en peligro la relación de Brad y Kate.
Pero mientras Brad cuenta las horas para quitarse de encima ese mundo de padres, suegros, sobrinos y hermanos, Kate empieza a ver las cosas de un modo diferente y, al final del día, puede que se pregunte si la vida que ha elegido el resto de su familia no es tan mala después de todo.


Crítica
Esta película gira en torno a lo que es la familia, de cómo puede ser un desastre pero a la misma vez ser lo mejor y lo más importante en la vida... El problema es que está contado de forma bastante típica y que hay mucha exageración cuando se trata de mostrar el lado desastre y caótico de la familia, restando credibilidad a la trama.

Esta exageración también afecta a la parte cómica, aunque la película tiene algunos puntos graciosos. Se bebe del humor estilo "Los Padres de Ella", aunque en esta ocasión no solo hay una familia sino cuatro.

La pareja protagonista, que son nuevos en el género precisamente, ya saben qué hacer y cumplen. Es una lástima que desde que ganó su Oscar por "En la Cuerda Floja" no vemos prácticamente a Reese Witherspoon (sólo ha hecho un par de papeles secundarios y éste), cuando tiene talento para hacer muy buenas cosas. En pequeños papeles secundarios podemos encontrar a actores como Sissy Spacek, Jon Voight o Robert Duvall.

En definitiva, es una película que se deja ver si te gustan las pelis de este estilo (su corta duración ayuda), pero, si no, es una película perfectamente evitable.


Puntuación: 5

My Blueberry Nights

Título original: My Blueberry Nights.
Dirección: Wong Kar-Wai.
País: Hong Kong, China, Francia.
Año: 2007.
Duración: 110 min.
Género: Drama.
Interpretación: Norah Jones (Elizabeth), Jude Law (Jeremy), David Strathairn (Arnie), Rachel Weisz (Sue Lynne), Natalie Portman (Leslie), Chan Marshall (Katjia).
Guión: Wong Kar-Wai y Lawrence Block; basado en un argumento de Wong Kar-Wai.
Producción: Jacky Pang Yee Wah.
Música: Ry Cooder.
Fotografía: Darius Khondji.
Montaje: William Chang Suk Ping.
Dirección artística: Judy Rhee.
Diseño de producción: William Chang Suk Ping.
Vestuario: William Chang Suk Ping y Sharon Globerson.

Sinopsis
Una joven se embarca en un inolvidable viaje cruzando Estados Unidos en busca del amor verdadero. En el camino la joven se encuentra con una serie de enigmáticos personajes que influirán en su forma de ver el mundo.

La historia está enmarcada entre el mágico paisaje urbano de Nueva York y las espectaculares vistas de la legendaria Ruta 66.


Crítica
Wong Kar-Wai ya ha demostrado de sobra que es un gran director con películas como "Chungking Express", "Happy Together" o "2046", entre otras, y es un director que tiene algo de lo que pueden presumir muy pocos: un estilo propio. Pero es un estilo muy característico suyo y que si lo conoces seguro que viendo una película dirigida por él, sin saberlo, se reconocería de lejos.

En esta película, Wong Kar-Wai se aleja de su "entorno habitual" y rueda la película en Estados Unidos en inglés... Este cambio le ha sentado muy bien. Ya se ha visto en sus anteriores películas que tiene un estilo "muy occidental", sobre todo visible por la utilización de temas musicales occidentales. Por lo que su estilo, totalmente patente en "My Blueberry Nights", le ha quedado de perlas a la película.

La historia es una historia de corazones rotos y personas solitarias y trata sobre un viaje, más "sentimental" que geográfico en el que la protagonista se encontrará a sí misma tras que una puerta se cerrara gracias a las personas e historias que encontrará en el camino.

Visualmente es una película preciosa, con esa elegancia que caracteriza a Wong Kar-Wai, y con su cámara lenta, por supuesto. La fotografía es bastante buena, aunque esta vez no se encarga de ella Christopher Doyle, colaborador habitual del director. La banda sonora es también en esta película un factor muy importante, con una muy buena selección de temas y una canción original estupenda cantada por Norah Jones.

Norah Jones es una muy buena cantante, y en esta película vemos que también es aprovechable para el cine, ya que da la talla como actriz. Los secundarios están bastante bien, destacando un poco más que el resto Jude Law.

Una gran película de amor y desamor (principalmente lo segundo) bajo las luces de neón...


Puntuación: 8

Mongol

Título original: Mongol.

Dirección: Sergei Bodrov.
Países: Kazajistán, Rusia, Mongolia y Alemania.
Año: 2007.
Duración: 126 min.
Género: Drama, aventuras.
Interpretación: Tadanobu Asano (Temudgin), Honglei Sun (Jamukha), Khulan Chuluun (Borte), Odnyam Odsuren (joven Temudgin), Aliya (Oelun), Ba Sen (Esugei), Amadu Mamadakov (Targutai), Bu Ren (Taichar).
Guión: Arif Aliyev y Sergei Bodrov.
Producción: Sergey Selyanov, Sergei Bodrov y Anton Melnick.
Música: Tuomas Kantelinen.
Fotografía: Sergey Trofimov y Rogier Stoffers.
Montaje: Zach Staenberg y Valdis Oskarsdottir.
Dirección artística: Wang Min Kwa y Hai Ming Xiang.
Diseño de producción: Dashi Namdakov.
Vestuario: Karin Lohr.

Sinopsis
"Mongol" ahonda en los dramáticos y angustiosos primeros años del gobernante nacido bajo el nombre de Temudgin en 1162. A medida que acompaña a Temudgin desde su peligrosa infancia hasta la batalla que va a sellar su destino, la película dibuja un retrato multidimensional del futuro conquistador y nos lo revela, no como la bestia malvada de apariencia vetusta, sino como un líder influyente, intrépido y visionario. Mongol nos muestra la forja de un hombre extraordinario y los cimientos sobre los que descansaba gran parte de su grandeza: su relación con su esposa Borte, su amor de toda la vida y su más leal consejera.


Crítica
Sabiendo quién fue Genghis Kan, conquistador de medio mundo, uno se espera ver una película sobre estas conquistas, con batallas por doquier... Y, aunque la película tiene algo de eso, nos encontramos ante algo diferente. No se trata la época conquistadora del Kan más grande de todos los tiempos, sino lo que fue su vida antes de ello. Y resulta, sin duda, muy interesante ya que así conocemos a la persona que había detrás del fiero y temible conquistador, al Temudgin que había detrás de Genghis Kan. Además, la historia resulta más que interesante, ya que su "ascenso" no fue precisamente un paseo, sino que lo pasó realmente mal durante su infancia y juventud, perdiendo muchas cosas, pero lo que no perdió fue su espíritu.

Pero también hay algunas batallas, que no son poca cosa precisamente... Y la batalla final es bastante multitudinaria. Tratándose de una coproducción mayoritariamente rusa-kazakistaní, uno se espera una puesta en escena más simple de lo que nos encontramos realmente en la película, que cuenta con una factura técnica envidiable (destacando una muy buena fotografía) y mucha habilidad tras la cámara por parte de Sergei Bodrov, tanto en la parte dramática como en las sangrientas batallas.

La película no cuenta con muchos diálogos, pero tampoco se les echa de menos ya que se deja todo más que claro sin necesitar los mismos, y al reparto no se le puede poner ninguna pega.

Una muy buena película que cuenta con una muy buena historia por sí misma y que cobra especial interés por tratarse sobre un interesante personaje histórico, y que funciona muy bien dejandote satisfecho en todos los aspectos.


Puntuación: 7

Superfumados

Título original: Pineapple Express.
Dirección: David Gordon Green.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 113 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Seth Rogen (Dale Denton), James Franco (Saul Silver), Danny R. McBride (Red), Gary Cole (Ted Jones), Rosie Perez (Carol), Amber Heard (Angie Anderson), Bill Hader (Miller), James Remar (general Bratt).
Guión: Seth Rogen y Evan Goldberg; basado en un argumento de Seth Rogen, Evan Goldberg y Judd Apatow.
Producción: Judd Apatow y Shauna Robertson.
Música: Graeme Revell.
Fotografía: Tim Orr.
Montaje: Craig Alpert.
Diseño de producción: Chris Spellman.
Vestuario: John Dunn.

Sinopsis
Dale Denton (Seth Rogen), cuyo trabajo es entregar citaciones legales, le compra la marihuana a un camello que se llama Saul (James Franco) porque le vende un nuevo tipo de hierba llamado “Pineapple Express”, en honor a un fenómeno atmosférico. Saul quiere hacerse amigo de Dale, pero éste sólo está interesado en los negocios. Casualmente, Dale es testigo de un asesinato cometido por una policía corrupta, Carol Butler (Rosie Perez), y por el líder de una banda, Ted Jones (Gary Cole). Por accidente se deja en la escena del crimen algo de la hierba de Saúl y ambos tienen que huir de la banda de criminales y de los agentes de la ley.


Crítica
En la "traducción" del título de la película (y también en la parte de abajo del cartel) ya aluden a una de las películas más exitosas de la factoría Apatow, "Supersalidos", y la verdad es que tienen una estructura parecida, ya que en ambas películas la historia se convierte en una ventura que va in crescendo hasta límites insospechados para los protagonistas y para el espectador... Aunque en esta "Superfumados" la premisa de la historia es mucho más surrealista, y el desarrollo de la misma mucho más disparatado, concluyendo en un final apoteósico. Quizás demasiado.

Estos puntos en común no son casualidades, ya que, además del productor Jud Apatow, tienen en común a los guionistas Seth Rogen (que es también el protagonista) y Evan Goldberg. Esta panda de amiguetes lo hacen todo juntos... Y no les sale mal la cosa.

El director en esta ocasión es David Gordon Green, un nombre poco conocido pero un gran talento tras la cámara, llevando a sus espaldas films muy buenos como "All the Real Girls", "Undertow" o "Snow Angels"... Sobre el papel, resulta extraño ver a un director de dramas independientes tras una producción del tipo de "Superfumados", pero tras verla uno se da cuenta de que este director consigue que la película vaya como la seda, revelandose como un director más que válido para la comedia.

Seth Rogen es un tipo gracioso, como ya ha demostrado en muchas pelis de la factoría Apatow, donde es un habitual... Pero quien llama la atención en el film es un melenudo James Franco, interpretando a un personaje muy alejado de lo que había hecho hasta ahora, y la verdad es que lo hace muy bien. Es un actor infravalorado. El resto del reparto es eficiente.

"Superfumados" es una muy divertida comedia, pero además tiene mucha emoción e incluso momentos de acción. Consigue que te metas en la película durante 113 divertidos minutos.


Puntuación: 6

Un Gran Día para Ellas

Título original: Miss Pettigrew Lives for a Day.

Dirección: Bharat Nalluri.
Países: Reino Unido y USA.
Año: 2008.
Duración: 92 min.
Género: Comedia romántica.
Interpretación: Frances McDormand (Miss Pettigrew), Amy Adams (Delysia Lafosse), Lee Pace (Michael Pardue), Ciarán Hinds (Joe Blumfield), Shirley Henderson (Edythe Dubarry), Mark Strong (Nick Colderelli), Tom Payne (Phil Goldman).
Guión: David Magee y Simon Beaufoy; basado en la novela de Winifred Watson.
Producción: Nellie Bellflower y Stephen Garrett.
Música: Paul Englishby.
Fotografía: John de Borman.
Montaje: Barney Pilling.
Dirección artística: Niall Moroney y Nick Gottschalk.
Diseño de producción: Sarah Greenwood.
Vestuario: Michael O'Connor.

Sinopsis
Miss Guinevere Pettigrew, una institutriz londinense de mediana edad, ve como es despedida injustamente de su trabajo. Un nuevo intento para conseguir un empleo la catapulta dentro del mundo glamuroso y de la vertiginosa vida social de la actriz y cantante Delysia Lafosse. En cuestión de minutos, Miss Pettigrew se ve envuelta por el entorno de la alta sociedad donde descubre su propio destino romántico.


Crítica
Nos encontramos ante una comedia romántica, ambientada a finales de los años 30 y con toques de comedia de enredo... Miss Pettigrew, que ha tenido una vida desafortunada en amores, se verá por las cosas de la vida, envuelta en los líos amorosos de Delysia Laffose, que se debate entre sus tres amantes y lo que le aportaría cada uno... Es interesante cómo vemos la influencia que adquiere Miss Pettigrew en esta historia y en la decisión de Delysia, sobre todo teniendo en cuenta que la historia se desarrolla en un solo día, el mismo en el que las protagonistas se conocen. Y además de la "historia de amor" de la señorita Laffose, habrá otra relacionada con cierto diseñador de lencería, donde Miss Pettigrew jugará también un papel importante.

Frances McDormand, y esto no es sorpresa, cumple perfectamente con su papel. Quien llama más la atención en el reparto es Amy Adams, una actriz que lo tiene absolutamente todo para triunfar y que sube como la espuma. Como curiosidad, en esta película la volvemos a escuchar cantar tras "Encantada: La Historia de Giselle". Ciarán Hinds es otro actor que rara vez decepciona.

El apartado técnico está muy cuidado, sobre todo la dirección artística. La banda sonora que suena en el film ayuda mucho a la buena ambientación que se consigue, y contiene temas interesantes.

Una película entretenida y agradable de ver, y que tiene sus detalles interesantes.


Puntuación: 6

Gomorra

Título original: Gomorra.

Dirección: Matteo Garrone.
País: Italia.
Año: 2008.
Duración: 135 min.
Género: Drama.
Interpretación: Toni Servillo (Franco), Gianfelice Imparato (Don Ciro), Maria Nazionale (Maria), Salvatore Cantalupo (Pasquale), Gigio Morra (Iavarone), Salvatore Abruzzese (Totò), Marco Macor (Marco), Ciro Petrone (Ciro), Carmine Paternoster (Roberto), Zhang Ronghua (Xian), Simone Sacchettino (Simone).
Guión: Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Gianni Di Gregorio, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso y Roberto Saviano; basado en la novela de Roberto Saviano.
Producción: Domenico Procacci y Laura Paolucci.
Fotografía: Marco Onorato.
Montaje: Marco Spoletini.
Diseño de producción: Paolo Bonfini.
Vestuario: Alessandra Cardini.

Sinopsis
Poder, dinero y sangre: estos son los valores a los que los residentes de la provincia de Nápoles y Caserta tienen que enfrentarse cada día. Casi nunca tienen la posibilidad de elegir, y casi siempre están obligados a obedecer las reglas del "sistema" de la Camorra. Sólo un pocos afortunados pueden llegar a pensar en llevar una vida normal.


Crítica
Lo que pretende reflejar la película (el mundillo de la Camorra, la mafia napolitana) es interesante, y la película tiene el extra de que se basa en la novela de Roberto Saviano, un tipo que estuvo infiltrado durante años en una de estas bandas (y que se actualmente se encuentra amenazado de muerte), por lo que sabemos que lo que nos cuenta la película son cosas como las que suceden en la realidad.

Se pretenden contar las tres historias que componen la película de una manera realista, sin efectismos y un tanto austera. Eso está bien, pero el problema es que también lo hace desapasionadamente, no terminando hacer que la historia te llegue. Y, teniendo también en cuenta en que en ciertos puntos de la película la historia parece que no avanza, hay ratos en los que se hace algo pesada. Le sobra metraje.

La mejor historia es la de los dos chavales que vemos al principio del film imitando a Tony Montana, y que quieren llegar a la cima por ellos mismos... Aunque, en general, es mejor la descripción del entorno del mundo de la Camorra que las historias en sí mismas.

El reparto hace un trabajo correcto pero de esos que no te llaman la atención ni para bien ni para mal.

Una interesante película, aunque se podría decir que algo fallida.


Puntuación: 6

Red de Mentiras

Título original: Body of Lies.
Dirección: Ridley Scott.
País: USA.
Año: 2008.
Género: Thriller.
Interpretación: Leonardo DiCaprio (Roger Ferris), Russell Crowe (Ed Hoffman), Mark Strong (Hani), Golshifteh Farahani (Aisha), Oscar Isaac (Bassam), Ali Suliman (Omar Sadiki), Alon Aboutboul (Al-Saleem), Vince Colosimo (Skip), Simon McBurney (Garland), Mehdi Nebbou (Nizar), Michael Gaston (Holiday), Kais Nashif (Mustafa Karami).
Guión: William Monahan; basado en la novela de David Ignatius.
Producción: Ridley Scott y Donald De Line.
Música: Marc Streitenfeld.
Fotografía: Alexander Witt.
Montaje: Pietro Scalia.
Diseño de producción: Arthur Max.
Dirección artística: Marco Trentini.
Vestuario: Janty Yates.

Sinopsis
Un antiguo periodista herido en la guerra de Irak es contratado por la CIA para seguir la pista de un líder de Al Qaeda en Jordania en esta adaptación de la novela "Body of Lies", de David Ignatius, antiguo columnista de asuntos internacionales del diario "The Washington Post". Roger Ferris (Leonardo DiCaprio) es el mejor hombre con el que la CIA de EEUU cuenta, en sitios donde la vida humana no vale más que la información que te puede proporcionar. En las operaciones que le llevan por todo el mundo, desde el Oriente Medio a Washington, su siguiente paso depende de la voz al otro lado de una línea telefónica segura - el veterano de la CIA, Ed Hoffman (Russell Crowe). Haciendo la guerra desde un portátil en los suburbios, Hoffman sigue la pista de un líder terrorista emergente que ha dirigido una campaña de bombardeos eludiendo a la red de inteligencia más sofisticada del mundo. Para sacar a los terroristas a la luz, Ferris tendrá que penetrar este turbio mundo, pero, cuanto más se acerca al objetivo, más se da cuenta que la confianza es una comodidad peligrosa y, al mismo tiempo, quizá la única que le sacará con vida...


Crítica
El siempre interesante Ridley Scott nos trae esta vez una llamativa historia sobre la forma de moverse de los servicios secretos, más concretamente en el marco del Oriente medio actual, entre la guerra y el terrorismo por parte de los islamistas radicales.

El desarrollo de la película es muy interesante, ya que, como el propio título dice, en este mundillo no sólo se engaña al enemigo, sino que también se miente a los propios compañeros y aliados. ¿Por qué? Así funciona el juego... Además, el "simple" hecho de ver reflejada la situación que allí se vive es algo de interés, y la película también cuenta con su toque romántico. Aunque la historia tiene un par de pegar: en ciertas situaciones se hace ver al protagonista como más bueno de lo que es, y el final deja demasiadas incognitas en el aire.

Todo esto se cuenta en formato de thriller, con muy buen ritmo muy entretenido y que se pasa rápido entre el suspense y la acción (dan ganas de ver a Ridley Scott tras las cámaras en una peli de acción después de ver cómo es capaz de desenvolverse, y más recordando "Black Hawk Derribado"). No faltan las escenas crudas cuando son necesarias, por lo que la película va un poco más allá de lo normal.

En el reparto, DiCaprio está bien, y vemos cómo Russell Crowe se ha sometido a una transformación física engordando bastante kilos y siendo avejentado. Aunque ambos están algo discretos teniendo en cuenta lo que pueden dar de sí.

Una película bastante buena, que entretiene con una historia de interés...


Puntuación: 7

J.C.V.D.

Título original: J.C.V.D.
Dirección: Mabrouk El Mechri.
Países: Bélgica, Francia y Luxemburgo.
Año: 2008.
Duración: 96 min.
Género: Drama, thriller, comedia.
Interpretación: Jean-Claude Van Damme (Jean-Claude Van Damme), François Damiens (Bruges), Zinedine Soualem (el hombre con sombrero), Karim Belkhadra (el vigilante).
Guión: Frédéric Bénudis y Christophe Turpin.
Producción: Sidonie Dumas.
Música: Gast Waltzing.
Fotografía: Pierre-Yves Bastard.
Montaje: Kako Kelber.
Diseño de producción: François Dickes.
Dirección artística: André Fonsny.
Vestuario: Uli Simon.

Sinopsis
Jean-Claude Van Damme, a la edad de 47 años, es un hombre en plena crisis. Su carrera se ha estancado y sólo participa en subproductos de acción directos a vídeo, el pago de impuestos le está dejando los bolsillos vacíos y ha perdido la custodia de su hija. El otrora indestructible Van Damme está a punto de sucumbir, por lo que decide regresar a su hogar, Bélgica, un lugar donde su mito todavía no se ha desvanecido. Pero este viaje, a medio camino entre la realidad y la ficción, será sólo el primer paso de su irremediable descenso a los infiernos.


Crítica
En esta película se mezcla realidad y ficción de una manera muy efectiva. Van Damme se interpreta a sí mismo, y la película sirve de vehículo para mostrar a la persona que hay detrás del héroe de acción, tratándose aspectos difíciles y oscuros de su vida, y sus sentimientos sobre ello. También hay una interesante reflexión sobre la fama y el cine. Esa es la parte de realidad. Y la ficción es la "historia presente" de la película: los problemas financieros, la batalla judicial por la custodia de su hija, y el atraco.

Aunque hablan mucho de parodia cuando se refieren a esta película, y es cierto que la película cuenta con momentos de parodia y cómicos, principalmente es un drama que gira en torno al personaje/persona de Jean-Claude Van Damme, y que realmente resulta profundo e interesante. También es interesante saber que la película se sustenta en un 70% de guión y un 30% de improvisación, y que totalmente improvisadas han sido escenas clave cono la del estremecedor monólogo en el que el propio Jean-Claude le habla al espectador cara a cara. Además, es un thriller, porque la acción se desarrolla en torno a un atraco a una oficina de correos, y tiene su pequeña dosis de acción en un llamativo plano-secuencia homenaje al cine de acción de Serie B en el que Van Damme hace frente a multitud de enemigos (en una sola toma).

Pero la película parece totalmente real gracias a una estupenda dirección de Mabrouk El Mechri, apoyada por un estilo de rodaje que recuerda al docu-drama aunque con muchos más recursos. Es una película muy intensa y que va directa a las entrañas. El montaje es un factor importante de la película, contada "por capítulos" y utilizando algunos flashbacks y alternes de puntos de vista de la historia. La película también cuenta con una muy buena fotografía mayoritariamente en tonos sepias, utilizando luces y sombras de un modo sorprendente. La selección de temas musicales de la banda sonora es bastante buena.

Sobra decir que la película no se parece absolutamente en nada a todo lo que ha hecho antes la estrella belga. Dos referencias muy importantes del film son películas como "Tarde de Perros" y "Cómo Ser John Malkovich".

De la interpretación de Van Damme... Simplemente decir que se supera a sí mismo. En los últimos años nos ha dado algunas muy buenas interpretaciones (y películas) como "Desafío a la Muerte", "Justa Venganza" y "Salvaje", aunque debido a las circunstancias profesionales de Van Damme (que se tratan en la película) la mayoría de la gente las desconoce. En "J.C.V.D." Van Damme da lo mejor de sí mismo para demostrar al público lo que él sabe que tiene dentro, y consigue algunos momentos realmente grandes. También está apoyado por un reparto que realiza una labor bastante buena.

Jean-Claude Van Damme en la película de su vida. En todos los sentidos.


Puntuación: 8

Los Niños de Huang Shi

Título original: The Children of Huang Shi.

Dirección: Roger Spottiswoode.
Países: China, Australia y Alemania.
Año: 2008.
Duración: 114 min.
Género: Drama.
Interpretación: Jonathan Rhys Meyers (George Hogg), Radha Mitchell (Lee Pearson), Chow Yun Fat (Jack Chen), Michelle Yeoh (Madame Wang), David Wenham (Barnes), Guang Li (Shi Kai).
Guión: James MacManus y Jane Hawksley.
Producción: Arthur Cohn, Wieland Schulz-Keil, Peter Loehr, Jonathan Shteinman y Martin Hagemann.
Música: David Hirschfelder.
Fotografía: Zhao Xiaoding.
Montaje: Geoffrey Lamb.
Diseño de producción: Steven Jones-Evans.
Dirección artística: Xin Ming Huang y Peta Lawson.
Vestuario: Wenyan Gao y Kym Barrett.

Sinopsis
George Hogg, un joven periodista inglés, llega a China en los años 30 cuando el país está siendo tomado por las tropas japonesas. Hogg se libra de la muerte gracias a un líder de la resistencia china, Jack Chen y, en su huida, acaba refugiándose en el orfanato de Huang Shi. Con el ejército japonés cada vez más cerca, Hogg intenta salvar a los 60 niños del orfanato embarcándoles en un agotador viaje a través de montañas y desiertos, acompañados por Jack y una enfermera norteamericana.


Crítica
Esta película, basada en hechos reales, cuenta la hazaña de un hombre que no la pretendía, simplemente las circunstancias lo pusieron ahí y él hizo lo que tenía que hacer. Es una historia interesante, ya que la historia da un giro inesperado para Hogg al llegar al orfanato, ya que él lo que pretendía era sacar fotos y documentar la guerra... Y finalmente se vió envuelto más de lo que esperaba en la vida de aquellos niños.

La película comienza bien, aunque luego pierde un poco de fuelle. En la parte del orfanato, hay veces que da la sensación de que la historia no avanza. Se podrían haber ahorrado unos minutos de metraje ahí. Pero el principal problema de la película es una dirección correcta técnicamente pero a la que le falta hacer que la película conecte con el espectador como debería. Esto se ve claramente porque es una película con muchos sentimientos por medio, con todo el tema de los niños y también su historia romántica, pero el espectador no se ve implicado y, aunque no aburre, se echa en falta que haga que nos impliquemos más y que nos importe.

Actores de solvencia contrastada como Jonathan Rhys Meyers, Chow Yun-Fat y, sobre todo, Radha Mitchell cumplen sin más. Tal vez la dirección de actores se haya visto afectada también por la sosera.

Una película con una historia interesante y que se ve sin problemas, pero que no termina de llegar al espectador y se queda en simplemente correcta.


Puntuación: 6

Noches de Tormenta

Título original: Nights in Rodanthe.

Dirección: George C. Wolfe.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 97 min.
Género: Drama romántico.
Interpretación: Richard Gere (Paul), Diane Lane (Adrienne), Christopher Meloni (Jack), Viola Davis (Jean), Becky Ann Baker (Dot), Scott Glenn (Robert Torrelson), Linda Molloy (Jill Torrelson), Pablo Schreiber (Charlie Torrelson), Mae Whitman (Amanda), Charlie Tahan (Danny).
Guión: Ann Peacock y John Romano; basado en la novela de Nicholas Sparks.
Producción: Denise Di Novi.
Música: Jeanine Tesori.
Fotografía: Affonso Beato.
Montaje: Brian A. Kates.
Diseño de producción: Patrizia Von Brandenstein.
Dirección artística: William G. Davis.
Vestuario: Victoria Farrell.

Sinopsis
Adrienne Willis (Diane Lane) es una mujer cuya vida está sumergida en caos y que ahora se ha retirado a un pueblecito costero de Rodanthe, en los Outer Banks de Carolina del Norte, para hacerse cargo de la posada de una amiga durante un fin de semana. Aquí, Adrienne, infelizmente casada, espera encontrar la tranquilidad que necesita desesperadamente para reflexionar sobre los conflictos que tiene a su alrededor -un marido infiel que quiere volver a casa y una hija adolescente que cuestiona todas sus decisiones-. Nada más llegar Adrienne a Rodanthe, se pronostica una gran tormenta y llega un huésped llamado Dr. Paul Flanner (Richard Gere). El médico Flanner no está allí para un descanso de fin de semana, sino para enfrentarse a su propia crisis de conciencia. Ahora, a medida que se acerca la tormenta, los dos se consuelan mutuamente y, en un fin de semana mágico, ponen en marcha el romance que no solo les cambiará la vida sino que les marcará para siempre...


Crítica
Esta película cuenta con una historia interesante, en la que dos personas que, debido a ellos mismos o a otras personas, se encuentran perdidos en un mal momento de sus vidas. Pero el que ambos se hayan encontrado en ese preciso momento, sólos en un motel junto al mar, y con previsión de tormenta puede darles una segunda oportunidad y hacer que sus vidas tomen un nuevo rumbo... Pero no es la típica historia, y tiene las señas de identidad de Nicholas Sparks, escritor de la novela en la que se basa el film, identificables por quien conozca su obra o las películas que la han adaptado ("El Diario de Noa", "Un Paseo Para Recordar", "Mensaje en una Botella" y la presente película, hasta la fecha).

El debutante George C. Wolfe lleva a cabo un correcto trabajo tras las cámaras, logrando algunos buenos momentos, aunque también dejando ver en otros que debe todavía mejorar.

A Richard Gere ya lo conocemos y, salvo la reciente excepción que fue "La Gran Estafa", siempre hace prácticamente lo mismo (que es muy poco, por cierto). Diane Lane está muy bien, como era de esperar. Y James Franco, en un pequeñísimo papel, deja buenas sensaciones.

Un buen drama romántico, género que últimamente no se deja ver mucho por los cines, que vale la pena y seguro dejará satisfechos a los amantes del género. Todo puede cambiar en las noches de tormenta...


Puntuación: 6

Transsiberian

Título original: Transsiberian.
Dirección: Brad Anderson.
Países: España, Alemania, Reino Unido y Lituania.
Año: 2008.
Duración: 111 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Woody Harrelson (Roy), Emily Mortimer (Jessie), Kate Mara (Abby), Eduardo Noriega (Carlos), Thomas Kretschmann (Myassa), Ben Kingsley (Grinko), Colin Stinton (oficial de la embajada), Mac McDonald (ministro), Etienne Chicot (hombre francés).
Guión: Brad Anderson y Will Conroy.
Producción: Julio Fernández.
Música: Alfonso de Vilallonga.
Fotografía: Xavi Giménez.
Montaje: Jaume Martí.
Diseño de producción: Alain Bainée.
Dirección artística: Algis Garbaciauskas e Iñigo Navarro.
Vestuario: Thomas Oláh.

Sinopsis
Tras una temporada en Pekín, Roy y Jessie, deciden viajar hasta Moscú en el mítico Transiberiano, el ferrocarril que une la Rusia europea con las provincias del lejano Oriente ruso, Mongolia y China. Aunque la gente que viaja en el gigantesco y algo tétrico tren es bastante extraña, la pareja no tarda en entablar relación con sus compañeros de compartimiento, Ian y Abby. Sus caminos se cruzarán con el del inspector Grinko, que investiga el asesinato de un narcotraficante.


Crítica
Tras el asfixiante thriller psicológico "El Maquinista", cabía esperar más de esta "Transsiberian", que finalmente ha resultado ser un thriller resultón y poco más.

La historia no está mal y da lugar a situaciones interesantes. Puede que recuerde en algún aspecto a historias de pelis de Hitchcock, pero la "comparación" que se hace en el poster me parece excesiva y fuera de lugar. No hay nada de terror psicológico en la cinta, es más un thriller al uso, que juega fundamentalmente con lo que ocultan las personas, incluso a personas tan cercanas como la persona con la que comparte su vida.

La principal traba de la película es que tiene un ritmo demasiado tranquilo, con lo que se echa en falta tensión en ciertos momentos donde ésta sería bastante importante. No obstante, el guión tiene suficientes recursos por sí sólo como para que la película no aburra.

El reparto es uno de los aspectos que más llama la atención en el film. Emily Mortimer, desde "Match Point" (película donde pasó un poco desapercibida entre las interpretaciones de Scarlett Johansson y Jonathan Rhys Meyers) acumula películas e interpretaciones bastante interesantes, y en esta ocasión es la mejor del reparto. Woody Harrelson sigue en forma y muy activo, Ben Kingsley esta vez acierta con su elección de papeles (últimamente algo irregular) y Eduardo Noriega poco a poco se va haciendo un actor más "internacional".

Una película entretenida, de la que se podía esperar algo más pero que sirve perfectamente para echar el rato.


Puntuación: 6

El Gurú del Buen Rollo

Título original: The Love Guru.
Dirección: Marco Schnabel.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 87 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Mike Myers (Pitka), Jessica Alba (Jane Bullard), Justin Timberlake (Jacques Grande), Romany Malco (Darren Roanoke), Meagan Good (Prudence), Omid Djalili (gurú Satchabigknoba), Ben Kingsley (gurú Tugginmypuddha), Verne Troyer (Cherkov), Deepak Chopra.
Guión: Mike Myers y Graham Gordy.
Producción: Mike Myers y Michael De Luca.
Música: George S. Clinton.
Fotografía: Peter Deming.
Montaje: Lee Haxall, Gregory Perler y Billy Weber.
Diseño de producción: Charles Wood.
Dirección artística: David G. Fremlin.
Vestuario: Karen Patch.

Sinopsis
El gurú Pitka (Mike Myers) era antes un chico norteamericano corriente, hasta que su familia le dejó en la puerta de un templo hindú para que fuera criado por el gurú Tugginmypuddha (Ben Kingsley). Criado en la pequeña aldea pesquera de Harenmahkeester, Pitka fue iniciado en los profundos secretos de las gestas espirituales junto con su amigo y único rival, Deepak Chopra. Pero ahora, Chopra es inmensamente famoso en Estados Unidos, y Pitka sigue de segundón sin ni siquiera una entrevista en horario de máxima audiencia en su currículo. Decidido a compartir su infinito conocimiento sobre la naturaleza de la vida y, por si fuera poco, a hacerse famoso, Pitka atiende la ferviente petición de ayuda de Jane Bullard (Jessica Alba), propietaria del equipo de hockey de Toronto. Al parecer, su mejor jugador, Darren Roanoke (Romany Malco), ha pasado de la noche a la mañana de ser un héroe a no marcar ni un punto porque su mujer, Prudence (Meagan Good), le ha dejado y está saliendo con el legendario portero de los Kings de Los Ángeles, Jacques “Le Coq” Grande (Justin Timberlake). Pitka debe ayudar a la pareja a reencontar su nirvana matrimonial para que Roanoke pueda recuperar su buen juego y el equipo pueda ganar la Copa Stanley.


Crítica
Mike Myers es un cómico que posee la habilidad para hacernos reir, a carcajadas inclusive (como ya hizo en la saga de "Austin Powers"), pero en esta ocasión no lo ha conseguido.

La película recurre constantemente a un humor de "caca, culo, pedo, pis" (literalmente, además), un supuesto humor incorrecto de sal gorda, más facilón de lo normal y que en esta ocasión no hace gracia ninguna (bueno, puede tener un par de puntillos). Además, es un refrito raro, ya que mezcla a un gurú (acompañado de sus elementos de la cultura hindú como no podía ser menos), con un par de historias románticas y el deporte (en este caso, el hockey sobre hielo). No sé si pretendía hacer parodia de algo, como las comedias románticas o las deportivas... Aunque no lo parece con todo esto mezclado, y bansándose las gracias en cosas que poco tienen que ver con ello (como cinturones de castidad, peleas con fregonas empapadas en pis, o elefantes apareándose), y lo que sí tiene son tópicos de cabo a rabo de ambos géneros.

El camaleónico Mike Myers se mete bien en la piel de este peculiar gurú del amor, aunque de poco le sirve. También está irreconocible Justin Timberlake. Y Jessica Alba... guapísima.

Si te gustan este tipo de comedias, se hace soportable aún siendo una mala película, pero si no, no será una experiencia agradable.


Puntuación: 4

Max Payne

Título original: Max Payne.

Dirección: John Moore.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 99 min.
Género: Acción, thriller.
Interpretación: Mark Wahlberg (Max Payne), Mila Kunis (Mona Sax), Beau Bridges (B.B. Hensley), Chris "Ludacris" Bridges (James Bravura), Olga Kurylenko (Nathasha), Amaury Nolasco (Jack Lupino), Chris O'Donnell (Jason Colvin).
Guión: Beau Thorne; basado en el videojuego.
Producción: John Moore, Julie Yorn y Scott Faye.
Música: Marco Beltrami y Bucks Sanders.
Fotografía: Jonathan Sela.
Montaje: Dan Zimmerman.
Diseño de producción: Daniel T. Dorrance.
Dirección artística: Andrew M. Stearm
Vestuario: George L. Little.

Sinopsis
Adaptación del famoso videojuego de Rockstar. Max Payne (Mark Wahlberg) es un policía heterodoxo –un antihéroe mítico– decidido a dar con los responsables de los brutales asesinatos de su familia y de su compañera. Resuelto a vengarse caiga quien caiga, su obsesiva investigación le lleva a embarcarse en una odisea de pesadilla rumbo al tenebroso mundo del hampa. A medida que el misterio va aumentando, Max se ve obligado a combatir con enemigos de más allá del mundo natural y a enfrentarse con una traición inconcebible.


Crítica
Comparando lo que se ha plasmado en la película con lo que hay en el videojuego llegamos a una conclusión: se parecen en lo que un huevo a una castaña. La película toma cierta base del videojuego, y tienen algunos puntos en común, pero el desarrollo de la historia, desde el principio hasta el final pasando por todo lo de en medio, tienen muy poco que ver. Prácticamente las únicas similitudes son los nombres, la muerte de la mujer de Payne y la droga valkiria.

Hay una pregunta que es clave. ¿Por qué tienes que cambiar una historia si es cojonuda? La del videojuego lo es, y lo único que tendrían que haber hecho para tener asegurarse una muy buena película era calcarla escena por escena, palabra por palabra. Pero no, parece ser que eso era mucho pedir, y los cambios en la historia, tanto por las cosas nuevas que han metido (mención especial a la exageración de los efectos de la droga) como por las cosas que han quitado (muchas imprescindibles), estropean la historia dejandola a un nivel impensable viendo la materia prima que tenían entre las manos.

Si además, la película hubiera tenido una realización acorde al nivel de la historia del juego, estariamos hablando de un auténtico peliculón. Mientras uno juega a "Max Payne" está viviendo una película, y no creo que nadie que haya jugado a este estupendo juego no lo haya pensado. Ese juego (y su secuela) rebosaba cine negro por los cuatro costados, y nos hacía experimentar situaciones y sentimientos como nunca antes lo había hecho otro videojuego. En la película el factor cine negro desaparece para dar paso al thriller y a la acción, pero faltandole chica, con una realización que se queda en correcta. Además, las malditas pretensiones económicas han hecho que se haya recortado la película para que tuviera la calificación de no apta para menores de 13 años (en lugar de 18, como inicialmente le otorgaron), sacrificando lo artístico para sacar tajada. Otro aspecto negativo es el pobre montaje, entre otras cosas debido al tiempo bala, punto distintivo del videjuego, está muy mal utilizado el poco tiempo que está presente en el film.

Mark Wahlberg sigue en su línea de poner cara de tipo duro y punto. Del resto del reparto mejor no hablar. Con decir que quien mejor lo hace es la ex-modelo Olga Kurylenko, vista en "Hitman" y próxima chica Bond en "Quantum of Solace", queda todo dicho.

Como película es entretenida, tiene acción y no te aburres, pero la decepción es inevitable viendo el resultado obtenido y sabiendo que esta película podría haber sido grande, muy grande.


Puntuación: 5

El Reino Prohibido

Título original: The Forbidden Kingdom.

Dirección: Rob Minkoff.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 113 min.
Género: Acción, aventuras.
Interpretación: Jet Li (el monje/el Rey Mono), Jackie Chan (Lu Yan), Michael Angarano (Jason), Alexis Bridges (Kam), Morgan Benoit (Lupo), Collin Chou (Jade Warlord), Liu Yifei (Golden Sparrow), Li Bing Bing (Ni Chang).
Guión: John Fusco.
Producción: Casey Silver.
Música: David Buckley.
Fotografía: Peter Pau.
Montaje: Eric Strand.
Diseño de producción: Bill Brzeski.
Dirección artística: Eric Lam.
Vestuario: Shirley Chan.

Sinopsis
Un joven (Michael Angarano), que siente una gran pasión por el cine de Kung Fu, visita regularmente una casa de empeños en Chinatown buscando películas. En una de sus visitas descubre un bastón que ha visto en un sueño recientemente, y más tarde se ve envuelto en un atraco en la misma casa de empeños, tras el cual huye con el bastón. En medio de la huida cae desde una azotea y es milagrosamente transportado a la China medieval donde, con la ayuda del luchador borracho (Jackie Chan), el monje silencioso (Jet Li), y el Gorrion Dorado (Yifei Liu), deberá devolver este bastón al mismo Rey Mono, transformado en una estatua de piedra mucho tiempo atras.


Crítica
La película va dirigida principalmente al público infantil, y era algo que se esperaba, aunque al principio puede engañar un poco en este aspecto, ya que se produce la primera aparición del Rey Mono (que sólo aparece al principio y al final de la cinta), un personaje un tanto (demasiado) payasete. También hay que tener en cuenta el público a quien va dirigido la película a la hora de creerse algunas cosas, como los (poco creíbles, por exagerados) matones que vemos al principio, y por algunas cosas respecto a la participación del chaval protagonista en el propio desarrollo de la aventura. Esto último tampoco es nada nuevo: véanse "Las Crónicas de Narnia", "Eragon" y demás pelis fantásticas de aventuras infantiles.

Luego la historia tampoco es nada del otro mundo: típica historia de aventura con su toque épico, de aprendizaje por parte del protagonista y de romance. Pero bueno, cumple.

En cuanto a la realización, está bien, logrando algunos buenos momentos y aprovechando los bellos paisajes en los que transcurre la película. Las peleas están filmadas bastante bien, y por lo general éstas tienen un buen nivel. Claro está, lo mejor lo vemos de la mano de Jet Li y de Jackie Chan, sobre todo en la pelea en la que ambos se enfrentan. El chico Michael Angarano también hace sus pinitos con las artes marciales, pero muy poca cosa. En las peleas se usan algunos cables, aunque excepto con el Rey Mono, no se abusa de ello y no quedan peleas tan exageradas como las de "Hero", por ejemplo, aunque la película sea fantástica. De hecho, la magia también está presente en ella.

Técnicamente la película está muy bien, sobre todo por su vestuario, tanto por las prendas como por las armas y armaduras de los soldados. El maquillaje también ha estado currado, principalmente por el personaje del Rey Mono.

Una película entretenida, con aventuras y fantasía, recomendable especialmente para los niños, que se podrán iniciar de un modo interesante para ellos en el mundo oriental y de las artes marciales.


Puntuación: 6

Quemar Después de Leer

Título original: Burn After Reading.

Dirección y guión: Joel Coen y Ethan Coen.
País: USA.
Año: 2008. Duración: 96 min.
Género: Comedia.
Interpretación: George Clooney (Harry Pfarrer), Frances McDormand (Linda Litzke), John Malkovich (Osborne Cox), Tilda Swinton (Katie Cox), Brad Pitt (Chad Feldheimer), Richard Jenkins (Ted), Elizabeth Marvel (Sandy Pfarrer), J.K. Simmons (jefe de la CIA).
Guión: Joel Coen y Ethan Coen.
Producción: Joel Coen, Ethan Coen, Tim Bevan, Eric Fellner.
Música: Cartel Burwell.
Fotografía: Emmanuel Lubezki.
Montaje: Joel Coen y Ethan Coen.
Diseño de producción: Jess Gonchor.
Dirección artística: David Swayze.
Vestuario: Mary Zophres.

Sinopsis
El analista Osborne Cox llega al cuartel general de la Agencia Central de Inteligencia (CIA) en Arlington, Virginia, para una reunión ultrasecreta. Por desgracia para él, el secreto no tarda en salir a la luz: le han despedido. Cox no encaja muy bien la noticia y regresa a su casa en Georgetown, Washington DC, para entregarse a la redacción de sus memorias y a la bebida. Los acontecimientos se precipitarán en una serie de oscuros e hilarantes encuentros fortuitos cuando esas memorias lleguen accidentalmente a manos de Linda, una empleada de gimnasio con dificultades para concentrarse en su trabajo porque sólo piensa en hacerse la cirugía plástica total, y de Chad, su alocado compañero.


Crítica
Tras el éxito que consiguieron con "No Es País para Viejos", los hermanos Coen vuelven al género que más han utilizado en los últimos años ("Ladykillers" o "Crueldad Intolerable"): la comedia.

Y en una comedia de Ethan y Joel Coen no podía faltar el absurdo, aunque en esta ocasión es posible que haya una variación en este aspecto. La comedia tiene su toque (gran toque) de absurdo, pero es más que nada por las circunstancias que se dan en la película, que dan lugar a que los personajes que vemos se vean haciendo cosas que serían impensables para ellos y que, si lo piensas (tampoco mucho), te das cuenta de lo absurdo de la situación. Es decir, la película es absurda, pero entra más dentro de lo "normal", sin ser una película absurda tirando a disparatada, algo más propio de los Coen hasta ahora y que pudimos ver, por ejemplo, en "O Brother!" y "Arizona Baby". En definitiva, y recalcando lo dicho, el enredo es el que proporciona el factor absurdo en el film.

De todos es sabido que George Clooney es amiguito de los Coen (parece mentira pero Clooney lleva seis años participando sólo en pelis propias o de amigos: los Coen, Steven Soderbergh y compañía), y parece que ha atraído a más amiguitos: Brad Pitt y Tilda Swinton. Además, Frances McDormand vuelve a trabajar con los Coen tras la que, para muchos, es la mejor película de esta pareja de cineastas: "Fargo". El trabajo de todos ellos es muy bueno, aunque posiblemente quien más destaque sea John Malkovich.

"Quemar Después de Leer" es una buena peli, aunque los hermanos Coen no llegan tan lejos con la comedia como con sus película de cine negro... Pero pasas un rato muy entretenido y te echas unas risas.


Puntuación: 6

El Juego del Matrimonio

Título original: Married Life.
Dirección: Ira Sachs.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 90 min.
Género: Drama.
Interpretación: Chris Cooper (Harry Allen), Pierce Brosnan (Richard Langley), Patricia Clarkson (Pat Allen), Rachel McAdams (Kay Nesbitt), Annabel Kershaw (Miss Jones), Sheila Paterson (Sra. Walsh), David Richmond-Peck (Tom), Erin Boyes (Becky), Elijah St. Germain (Little Charlie), Terence Kelly (Dr. Anderson), Timothy Webber (Alvin Walters), David Wenham (John O’Brien).
Guión: Ira Sachs, Oren Moverman (basado en la novela "Five Roundabouts to Heaven" de John Bingham).
Producción: Ira Sachs, Steve Golin, Sidney Kimmel y Jawal Nga.
Música: Dickon Hinchliffe.
Fotografía: Peter Deming.
Montaje: Affonso Gonçalves.
Diseño de producción: Hugo Luczyc-Wyhowski.
Dirección artística: Gwendolin Margetson.
Vestuario: Michael Dennison.

Sinopsis
Tras décadas de feliz matrimonio, Harry decide que debe asesinar a su mujer Pat porque la ama demasiado como para permitir que sufra cuando él la abandone, ya que se ha enamorado de la joven viuda Kay, que a la vez es cortejada por el mejor amigo de Harry, Richard. Mientras Harry prepara sus planes de asesinato, los otros personajes están ocupados con sus propias traiciones. Como Harry, se dejan llevar por sus pasiones, que chocan con su moralidad, bienintencionada pero deshonesta al mismo tiempo.


Crítica
Las infidelidades y demás cosas que las rodean no son un tema, ni mucho menos, nuevo en el cine... Aunque esta película le da un toque distinto e interesante al tema.

El matrimonio, la necesidad de amor, la infidelidad y el daño que ésta hace a otras personas para conseguir la felicidad propia están enfocadas a una reflexión que se dirige hacia dos interesantes temas: el egoismo del amor, que puede estropear cualquier tipo de relación; y la imposibilidad de saber lo que pasa por la mente de la persona que duerme a tu lado cada noche, algo que te puede tener totalmente confundido.

El guión tiene giros bastante buenos, que hacen que la historia tome un cariz muy distinto y que consiguen una historia ágil y dinámica, que nunca da la sensación de estancarse. Tiene también su punto de cine negro, y tal vez también algo de humor negro según se mire.

El vestuario, decorados, fotografía, etc. están cuidados y completan una representación bastante buena de los años 40, en los que está ambientado el film. Visualmente queda muy bonito, pero le falta algo de fuerza a la película, pues hay momentos de la historia que daban para más, y parece que no se ha sabido plasmar la tensión que hay en ciertos momentos y las emociones de otros.

El cuarteto protagonista está compuesto por intérpretes de alto nivel, y todos consiguen una interpretación buena, aunque tenía expectativas más altas respecto a Rachel McAdams. También se hace algo extraño verla con el pelo rubio que luce en esta película.

Una buena película: entretenida, bien ambientada y con una historia interesante... que daba para más.


Puntuación: 6

Death Race: La Carrera de la Muerte

Título original: Death Race.
Dirección: Paul W.S. Anderson.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 105 min.
Género: Acción.
Interpretación: Jason Statham (Jensen Ames), Joan Allen (Hennessey), Tyrese Gibson (Machine Gun Joe), Ian McShane (Coach), Natalie Martinez (Case), Jacob Vargas (Gunner), Fred Koehler (Lists), Robert LaSardo (Grimm), Justin Mader (Travis Colt), Max Ryan (Slovo Pachenko), Jason Clarke (Ulrich).
Guión: Paul W.S. Anderson y J.F. Lawton.
Producción: Jeremy Bolt, Paul W.S. Anderson, Roger Corman y Paula Wagner.
Música: Paul Haslinger.
Fotografía: Scott Kevan.
Montaje: Niven Howie.
Diseño de producción: Paul Austerberry.
Vestuario: Gregory Mah.

Sinopsis
Una penitenciaría atestada de presos inspiró a los carceleros para crear un pasatiempo tan cruel como lucrativo. Presos capaces de todo, un público global hambriento de violencia televisada y un ruedo espectacular se unen en DEATH RACE. El tricampeón de velocidad Jensen Ames (Jason Statham) es todo un experto a la hora de sobrevivir en el desértico paisaje en el que se ha convertido el país. Cree haber cambiado de vida, pero el ex convicto es acusado de un terrible crimen que no ha cometido. La directora de Terminal Island (Joan Allen) le obliga a ponerse la máscara de Frankenstein, un favorito del público al que parece imposible matar, y le da dos opciones: competir o pudrirse en una celda. Con el rostro escondido detrás de la máscara metálica, el preso deberá sobrevivir a los tres días más terribles de su vida, enfrentándose a los peores criminales procedentes de las cárceles más duras del país si quiere salir libre. Al volante de un monstruoso coche armado con ametralladoras, lanzallamas y lanzagranadas, este hombre desesperado será capaz de destruir todo lo que se interponga en su camino para ganar el juego de masas más retorcido de la Tierra.


Crítica
"La Carrera de la Muerte del Año 2000" y este remake tiene pocas cosas en común: una carrera, que se intentan matar unos a otros para ganar, y el personaje de Frankenstein (aunque cambia mucho este tema). Poco queda aquí de aquella película de serie B y su humor negro.

Aquí el humor negro se cambia por algo más acorde a nuestros tiempos (vamos, que vende más): explosiones, tiros y mucha mucha acción (tanto dentro de la carrera como fuera de ella). Es más violenta por esa parte, pero también es cierto que aquí no suma puntos ir atropellando gente.

La historia también se parece a la original lo que un huevo a una castaña, aunque se limita a coger conceptos ya vistos de otras películas y mezclarlos con la carrera. Ya se han visto en otras películas competiciones entre presos, como pueden ser "Salvaje", "Invicto" y su secuela. Pero sin duda una película con la que guarda más similitudes (competición entre presos que es emitida en todo el mundo y el que gane se salva) es "La Isla de los Condenados". Y, bueno, sobre la premisa argumental sobre la mujer del protagonista y el crímen que éste no cometió mejor ni hablemos.

Jason Statham hace muy bien de tipo duro, algo que al parecer consiste en no mover ni un músculo facial. Casi la totalidad del reparto está en la misma línea.

En definitiva: es un remake que da un enfoque distinto a la historia, aunque no sea innovador, y si te gusta la acción seguro que pasarás un rato entretenido porque no da un respiro en este aspecto.


Puntuación: 5

Batalla en Seattle

Título original: Battle in Seattle.
Dirección y guión: Stuart Townsend.
Países: USA y Canadá.
Año: 2007.
Duración: 98 min.
Género: Drama.
Interpretación: Charlize Theron (Ella), André Benjamin (Django), Jennifer Carpenter (Sam), Woody Harrelson (Dale), Martin Henderson (Jay), Ray Liotta (Jim Tobin), Connie Nielsen (Jean), Michelle Rodriguez (Lou), Channing Tatum (Johnson), Rade Serbedzija (Dr. Maric), Ivana Milicevic (Carla), Isaach de Bankole (Abassi).
Producción: Stuart Townsend, Kirk Shaw, Maxime Rémillard y Mary Aloe.
Música: Robert Del Naja y Neil Davidge.
Fotografía: Barry Ackroyd.
Montaje: Fernando Villena.
Diseño de producción: Chris August.
Vestuario: Andrea Des Roches.

Sinopsis
Narra la dramática situación que tuvo lugar en el encuentro de la Organización Mundial del Comercio (OMC) en Seattle en 1999, donde unos 100.000 manifestantes provocaron el caos en la ciudad. Durantes esos días, decenas de miles de personas tomaron por asalto la calle en protesta contra la poderosa organización supranacional. Lo que comenzó como una protesta antiglobalización tranquila, reivindicando el cese de las conferencias de la OMC, se convirtió en un motín, que finalmente obligó a proclamar el estado de excepción, lo que desembocó en la adopción de una postura de combate contra el Departamento de Policía de Seattle y la Guardia Nacional por parte de una masa de manifestantes pacíficos sin armas. A partir de estos hechos, "Batalla en Seattle" entrelaza puntos de vista diferentes de la sociedad, desde los manifestantes y la policía, hasta los delegados que intervenían en la conferencia y aquellos que intencionada -o accidentalmente- se vieron involucrados en la batalla campal en las calles de Seattle.


Crítica
No es raro que un actor tenga un capricho y quiera dirigir una película. Se han dado bastantes casos, aunque normalmente suelen ser actores con nombre o, al menos, conocidos (que no es lo mismo). En este caso, el director (y guionista) de la película es Stuart Townsend, un actor de los que pasa desapercibido y cuya filmografía no es nada destacable. Es más conocido por ser el novio de Charlize Theron (que es uno de los nombres que integra el reparto del film) que por su faceta artística.

No es una película que haya hecho mucho ruido, y parecía que se iba a quedar en lo simplemente correcto. Pero las apariencias engañan muchas veces. Los hechos que cuenta la película son muy interesantes, ya que se produjo una situación casi catastrófica: manifestantes pacíficos siendo atacados por la policía y la guardia nacional, llegando a convertirse Seattle en una ciudad en guerra. Pero sin duda el principal atractivo es el telón de fondo de la historia, con un importante y trascendental contenido político-económico. Pero en esta historia también tienen cabida las personas, y por ello la película cuenta con interesantes personajes que ayudan a reflejar todos los puntos de vista: periodistas, activistas, policías, el alcalde, una mujer que se vio atrapada por todo aquello sin comerlo ni beberlo, los propios integrantes de la cumbre... Y además el guión enlaza elementos y desarrolla las relaciones de una manera más que satisfactoria.

También hay que elogiar la dirección, llena de fuerza, con momentos que transmiten mucha emoción. Además se consigue un buen ritmo y escenas que logran emocionar al espectador de espíritu comprometido y justo.

Charlize Theron no es la protagonista, como puede parecer. Es una película coral, y comienza teniendo cierto protagonismo la actriz sudafricana, pero posteriormente lo pierde hasta desaparecer por un buen rato de la pantalla. Todos los actores realizan una buena labor, aunque quien más llama la atención es Martin Henderson.

Una buena película: interesante, reivindicativa y con espíritu soñador. "Paso a paso", aunque... ¿el camino conduce a alguna parte?


Puntuación: 7

Asesinato Justo

Título original: Righteous Kill.
Dirección: Jon Avnet.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 101 min.
Género: Thriller.
Interpretación: Robert De Niro (Turk), Al Pacino (Rooster), Curtis "50 Cent" Jackson (Spider), Carla Gugino (Karen Corelli), Donnie Wahlberg (detective Ted Riley), Trilby Glover (Jessica), Brian Dennehy (teniente Hingis), John Leguizamo (detective Pérez), Dan Futterman (Aaron Ziedler), Rob Dyrdek (Rambo).
Guión: Russell Gewirtz.
Producción: Rob Cowan, Avi Lerner, Randall Emmett, Jon Avnet, Lati Grobman, Alexandra Milchan y Daniel M. Rosenberg.
Música: Ed Shearmur.
Fotografía: Denis Lenoir.
Montaje: Paul Hirsch.
Diseño de producción: Tracey Gallacher.
Vestuario: Debra McGuire.

Sinopsis
Después de 30 años como compañeros, los condecorados detectives Turk (Robert De Niro) y Rooster (Al Pacino) se enfrentan a la jubilación, aunque ninguno de los dos está aún preparado para ello. Antes de que "cuelguen" sus placas son llamados para investigar el asesinato de un conocido proxeneta, que parece estar ligado a un caso resuelto por ellos en el pasado. Igual que en el crimen de entonces, la víctima es un presunto delincuente, y en el cuerpo se ha encontrado un poema de cuatro líneas que justifica el asesinato. Cuando los crímenes de presuntos criminales comienzan a sucederse, se ve con claridad que los detectives se enfrentan a un asesino en serie, cuyo objetivo son aquellos criminales que se han escabullido entre las grietas del sistema judicial. Su misión, al parecer, es hacer lo que la policía es incapaz de hacer, sacar a los culpables de las calles para siempre...


Crítica
El principal atractivo de "Asesinato Justo" era ver a Robert De Niro y Al Pacino, dos de los más grandes de la interpretación, compartiendo protagonismo juntos en la película... Pues bien, podrían habernos dejado mejor el buen recuerdo de su escena compartida en "Heat", que puede estar sobrevalorada pero es una buena película, algo que la presente no es.

Para empezar, la película tiene un regustillo a serie B que tumba, y sorprende ver a posteriori que contaba con un presupuesto de 60 millones de dólares... Desaprovechados. Tal vez una parte importante de ese dinero fuera a parar a los bolsillos de la pareja protagonista: un Robert De Niro que lleva unos años siendo una sombra de lo que fue y un Al Pacino que también está lejos de ser el que fué (aunque sin caer tan bajo como lo ha hecho De Niro en algunos momentos). En esta película no parece que se hayan esforzado mucho en su interpretación, se han limitado a poner el piloto automático y simplemente cumplir. También es cierto que la dirección de Jon Avnet es bastante plana, y seguramente no haya sabido sacar partido de los formidables actores que tenía delante.

Aunque el verdadero fallo de la película no es ninguno de los anteriormente citados, sino el guión. Es un guión tramposo, que nos manipula desde el principio para posteriormente intentar dejarnos fuera de combate con una gran sorpresa... Que no sorprende tanto. Probablemente hubiera sido más efectivo contar la historia de un modo lineal y procurando evitar que el espectador saque una deducción clara. Y, dejando eso a un lado, se hace un guión un tanto pobre y con clichés del género de más.

Tampoco es un bodrio la película, pero puede que algunos tuvieran altas espectativas por ver por fin a De Niro y Pacino juntos, dos actores que sin duda merecían algo más que esto. Olvidable, se deja ver pero sin emoción.


Puntuación: 5

La Desconocida

Título original: La Sconosciuta (The Unknown Woman).
Dirección y guión: Giuseppe Tornatore.

Países: Italia y Francia.
Año: 2006.
Duración: 118 min.
Género: Drama, thriller.
Interpretación: Ksenia Rappoport (Irena), Michele Placido (Muffa), Claudia Gerini (Valeria), Piergrancesco Favino (Donato), Margherita Buy (abogado), Alessandro Haber (portero), Piera Degli Esposti (Gina), Clara Dossena (Thea), Ángela Molina (Lucrezia).
Producción: Laura Fattori.
Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Fabio Zamarion.
Montaje: Massimo Quaglia.
Dirección artística: Tonino Zera.
Vestuario: Nicoletta Ercole.

Sinopsis
"La desconocida" es Irena, una mujer que llegó a Italia hace muchos años desde Ucrania y todavía, en el momento en el que transcurre la acción, vive entre los fantasmas de su pasado y sus búsquedas del presente: dos planos temporales que interactuan en el relato, se superponen, y dan lugar a un intrigante rompecabezas, y a una potente tensión narrativa. ¿Quién es Irena verdaderamente?. Poco a poco, su historia se va desplegando. Es una joven mujer que huyó de Europa del Este como muchas otras. Después de sobrevivir a un viaje dramático, fue víctima de hombres tan brutales como inescrupulosos. Irena sufrió humillaciones y malos tratos que vuelven permanentemente a su memoria y no le permiten tener paz. Sólo permanece un recuerdo hermoso: el de un melancólico y desgarrador amor perdido.


Crítica
Que Giuseppe Tornatore es un gran cineasta, de los más importantes de Europa en la actualidad es algo indiscutible. Pero también es cierto que es imposible hacer siempre peliculones…
Esta película no es de las mejores del director italiano, pero no por ello deja de ser una película notable, aunque sabría mucho mejor sin compararla con otras obras suyas como “Cinema Paradiso” o “La Leyenda del Pianista en el Océano”. La gran baza del film es que el personaje protagonista es, como bien dice el título, una desconocida, para el espectador durante mucho tiempo y para los demás personajes del film. Poco a poco vamos descubriendo cosas sobre el personaje, aunque al final hay algún aspecto que no queda claro. Tal vez no sea algo de importancia, pero es algo que se ve varias veces en la película, y si se recalca lo normal es que tenga algún significado…

La película transcurre entre el drama y el thriller, lo malo es que parece como si ambos géneros se estorbaran en este caso. Puede que hubiera quedado mejor si hubiera partes intercaladas de ambos géneros. Un defecto importante de la película es que hacia la parte final de la película se revela algo que se podía intuir perfectamente (pese a desconocer datos importantes relacionados con el tema) anteriormente, por lo que se pierde la sorpresa. Afortunadamente, luego se compensa en parte con otra.

Uno de los factores importantes en las películas de Tornatore es la banda sonora, compuesta por su colaborador habitual y gran compositor Ennio Morricone. Y en esta película, este es uno de los aspectos más destacables, sin encontrarse la banda sonora tampoco entre lo más destacable de su creador.

Cabía esperar más del director pero tampoco es para quejarse, ya que al fin y al cabo es una película bastante buena.


Puntuación: 7

Cuatro Vidas

Título original: The Air I Breathe.
Dirección: Jieho Lee.

País: USA.
Año: 2007.
Duración: 95 min.
Género: Drama.
Interpretación: Kevin Bacon (Amor), Julie Delpy (Gina), Brendan Fraser (Placer), Andy Garcia (el Dedos), Sarah Michelle Gellar (Tristeza), Clark Gregg (Henry), Emile Hirsch (Tony), Forest Whitaker (Felicidad).
Guión: Jieho Lee y Bob DeRosa.
Producción: Paul Schiff, Emilio Díez Barroso y Darlene Caamaño Loquet.
Música: Marcelo Zarvos.
Fotografía: Walt Lloyd.
Montaje: Robert Hoffman.
Diseño de producción: Bernanrdo Trujillo.
Vestuario: Michelle Michel.

Sinopsis
La historia está basada en un antiguo proverbio chino que divide la vida en cuatro emociones: la felicidad, el placer, el dolor y el amor. Un hombre de negocios (Forest Whitaker) apuesta todo lo que tiene en una carrera de caballos; un gángster (Brendan Fraser) descubre que puede ver el futuro; una cantante de música pop (Sarah Michelle Gellar) es víctima de un jefe del crimen (Andy García), y un médico (Kevin Bacon) debe salvar la vida de su gran amor, antes de que algo terrible ocurra.


Crítica
"Cuatro Vidas" es una película que cuenta cuatro historias, entrelazadas entre ellas. Es un formato que no es nuevo pero que normalmente funciona bastante bien.

El problema de esta película desde luego no es ese, sino que gira alrededor de cómo está rodada la película. Está rodada con un estilo totalmente videoclipero, lo que hace que el film se vea como algo muy artificial. Además, coquetea con géneros como el thriller e incluso la acción y el género fantástico... Y lo único que consigue es dar palos de ciego ya que, además, la película en su comienzo parece tener clara tendencia filosófica pero ésta acaba por diluirse en el más simple melodrama.

Incluso hay momentos en la historia en la que parece que los guionistas se sacan las cosas de la manga, "forzando" las cosas para que la historia suceda como ellos quieran y todo encaje... Aunque analizando las situaciones, la causa de esto más que el guión es que, como ya he comentado, la película se ve muy artificial y, por tanto, estas cosas parecen poco creíbles. Utilizando una narrativa más sobria la historia podría haber funcionado mejor.

El punto fuerte de esta película es su reparto. Actores como Kevin Bacon o Forest Whitaker hacen bien su trabajo como de costumbre, y podemos ver una buena interpretación de un actor que anda en horas bajas últimamente (aunque creo que no se puede decir que haya tenido una época regular de buenas pelis) como Brendan Fraser. Pero la sorpresa nos la da Sarah Michelle Gellar. ¿Alguien pensaba que esta chica iba a ser capaz de dar una buena interpretación? Lo cierto es que hasta ahora la muchacha no había tenido precisamente muchas oportunidades para "lucirse", pero después de esto habrá que esperar algo más de ella.

Una historia desaprovechada por una dirección videoclipera y algo perdida, aunque nos quedamos con el reparto y la sorpresa de que Sarah Michelle Gellar sabe actuar.


Puntuación: 5

Vicky Cristina Barcelona

Título original: Vicky Cristina Barcelona.
Dirección y guión: Woody Allen.

Países: España y USA.
Año: 2008.
Duración: 96 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Rebecca Hall (Vicky), Scarlett Johansson (Cristina), Javier Bardem (Juan Antonio), Penélope Cruz (María Elena), Patricia Clarkson (Judy Nash), Kevin Dunn (Mark Nash), Chris Messina (Doug), Zak Orth, Carrie Preston, Pablo Schreiber.
Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Gareth Wiley.
Fotografía: Javier Aguirresarobe.
Montaje: Alisa Lepselter.
Diseño de producción: Alain Bainée.
Vestuario: Sonia Grande.

Sinopsis
Dos jóvenes norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensible y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y busca aventuras sexuales. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que todavía tiene algo con su tempestuosa ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz).


Crítica
La anterior película de Woody Allen ("Cassandra's Dream") fue bastante criticada (injustamente a mi parecer), y parece que con "Vicky Cristina Barcelona" las cosas han vuelto a su cauce habitual ya que la película ha tenido buena acogida... En mi opinión, Woody es un director bastante regular, que siempre mantiene un alto nivel y a veces lo supera (con películas como "Manhattan", "La Rosa Púrpura del Cairo" o "Desmontando a Harry") pero nunca ha habido una película suya que considere mala, ni siquiera mediocre.

En este caso, es una película que mantiene las señas de identidad del cine de Woody, ya que ahí están los problemas en las relaciones de pareja, las infidelidades, etc. pero cuesta más reconocerlas por el marco en el que se ve envuelta la historia, ciudades españolas (Barcelona y Oviedo) muy diferentes de lo que han sido sus zonas habituales de trabajo. Y, además de la diferencia que se percibe por la vista de los lugares y paisajes, esto se hace notar también en el ambiente que transmite la película, un ambiente más cálido y mediterráneo.

La "película española" del genio de Brooklyn es una película contada de un modo ligero en su mayoría, aunque no es una película graciosa (ni parece que lo pretenda). El guión, como ya he comentado, lleva el sello de Woody Allen, y está bien, como cabía esperar otra cosa, aunque no es destacable dentro de su filmografía.

El trabajo del reparto es bastante bueno, y quien posiblemente destaque más es Rebecca Hall, la protagonista de la peli junto a Scarlett Johansson pese a que a sido a la que menos bombo se le ha dado debido a que es mucho menos conocida que la nueva musa de Woody, que Javier Bardem y que Penélope Cruz, que sería la segunda en discordia en el campo interpretativo, con un personaje un tanto inestable.

Una película bastante buena, sin gran novedad en su forma pero sí en su contexto, lo que la hace una película diferente en la filmografía de Woody Allen.


Puntuación: 7